Historia del cine: Los años dorados de Hollywood

por Avanti

25/06/2020

Camm

Cine

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¿A qué llamamos ‘Edad de Oro’ de Hollywood?

Es el término utilizado en la historia del cine que designa un estilo visual y sonoro y un modo de producción específico, utilizado dentro de la industria cinematográfica de Estados Unidos entre los años de 1910 y 1960.

Esta época estuvo marcada por el glamour y la elegancia, los actores eran reconocidos por su porte y su capacidad para ser versátiles en sus actuaciones. Una industria que se distinguía por tener a pioneros y grandes mentes dentro de su haber.

La Edad de Oro de Hollywood nace oficialmente con el estreno de ‘The Jazz Singer’ en 1927. El final de la era muda del cine significó el aumento de las ganancias en taquilla y un cambio en la forma de realizar y ver películas.

Hoy haremos un pequeño resumen de esta época, sus géneros, films y características. ¿Nos acompañan?

La edad de oro de Hollywood (1927 – 1941)

En 1914 se alcanza la madurez del cine mudo, se produce el fin de lo que se conoció como ‘Cine Primitivo’ (MRP). En el periodo que va desde el fin de la primera guerra mundial (1918) hasta la caída de la bolsa de Wall Street (1929) se da el apogeo del cine mudo, y la supremacía de Hollywood, debido a su desarrollo vertical y como consecuencia de la guerra.

A partir de 1930 de produce un cambio en su organización, que pasó a basarse, principalmente, en el studio system y el star system.
La llegada del sonoro no hizo más que otorgar una articulación más compleja y una organización más estable a un sistema que, en líneas generales, se había afianzado en los años veinte y que permanecería sustancialmente inmutable hasta 1948.
La constitución del studio system se debe a Zukor, con la llegada de la Paramount. Fue él quien compro los derechos del film d´art y fundo “Actores famosos en obras famosas”. Luego creo la Paramount Corporation agrupando a las grandes firmas independientes. Se lo considera el padre de la industria moderna del cine americano.

Este sistema es un método preciso de organización del trabajo que supone una subordinación total de todos los componentes del trabajo a la figura del productor. Además, se relaciona con el sistema de géneros, un eficaz instrumento de diferenciación de los productos: la comedia sentimental, el melodrama, el drama épico histórico, el western, el gangster story, slapstick comedy.

El star system surge de la noción de actor fabricante de dinero, la estrella es un producto comercial que se elabora y se lanza al mercado. El cine se hará por y para las estrellas, las películas harán toda la promoción y difusión apoyadas en sus nombres.

 

Deseosos de evitar otra guerra de patentes en plena depresión, los estudios decidieron adoptar un sistema uniforme en julio de 1930, y optaron por un formato de sonido sobre película producido por Western Electric, los fabricantes de vitaphone (Vitáfono).
El sonido planteo una gran cantidad de problemas técnicos y artísticos que dieron lugar, en un principio, a las películas más estáticas jamás hechas. La solución fue esquivar la grabación directa, para darle libertad a la cámara. Luego se utilizaron plataformas rodantes (travelling) y grúas, cuyos brazos pronto estuvieron dotados de micrófonos multidireccionales, los cuales, al final de la década, dispusieron de supresores que limitaban el ruido de los rieles y de compresores que eliminaban la distorsión. La evolución del sonido se dio muy rápidamente.

Los aportes, en el plano estético, del sonido fueron: mayor continuidad narrativa, economía de planos (eliminando las abundantes imágenes explicativas y metafóricas del lenguaje visual mudo). Se redujo el número de planos o asimismo se aumentó la longitud de planos que dependen del dialogo de los actores. Se pudo representar porciones de la realidad que estuvieran fuera del encuadre por la única presencia de su sonido, dando continuidad temporal (sonido diegético o narrativo), también le otorgo funciones psicológicas o de ambientación (sonido extradiegético), y el dialogo, que a diferencia de los carteles que rompían la continuidad, sumo continuidad narrativa y temporal. Se descubre el silencio como nuevo elemento dramático.
Así mismo, cabe destacar que, en un primer momento, el cine también pecó de uso excesivo del diálogo como vehículo de información, ya sea en charlas entre los distintos interpretes de la escena, como el abuso de pensamientos en off para justificar y explicar las diferentes situaciones o escenas. También fue necesario controlar las reacciones exageradas de los personajes que estaban acostumbrados a modos de actuación más teatrales, a tener que expresar todas las emociones de manera excesiva con su cuerpo y movimientos. Hubo que trabajar mucho en este aspecto para dar con la mezcla justa entre lo que solía ser el cine mudo y la nueva incorporación del audio.

Igualmente, es importante destacar que sonido grabado amplió las posibilidades de todos los géneros existentes en Hollywood, apareciendo los subgéneros, como el largometraje musical, y beneficiando otros con la incorporación del sonido, como los films de gángsters. La comedia del resbalón y el tortazo fue sustituida por el ingenio visual y verbal del vodevil y la farsa burlesca cuyos principales exponentes, los hermanos Marx, W.C Fields y Mae West, prosperaron en Paramount, el estudio menos intervencionista de Hollywood. También prospero la comedia americana (screwball). Ridiculizando la mística victoriana de la feminidad, eran invariablemente batallas entre sexos, en las cuales los varones reprimidos terminaban por liberarse gracias a mujeres de espíritu emancipado.

Durante esta época, los estudios producían cine en masa. Aunque algunos directores como Howard HawksHitchcock y Frank Capra se enfrentaron varias veces a ellos para conseguir plasmar su visión en sus películas y hacer producciones diferentes, originales.

 

Los Estudios

MGM era el mayor y más prolífico estudio de la época, especializado en adaptaciones literarias, melodramas musicales y series. Caracterizadas por su gran iluminación y el lujo de sus producciones, sus películas eran deslumbrantes, optimistas y servían de entretenimiento y evasión a las familias (a favor de la vida americana). Contaba con el mayor número de estrellas y de directores que supieron acomodar sus estilos al sistema de estudios.

PARAMOUNT liderada por Zukor, tuvo a directores como Lubitsch, Mamoulian, Von Sternberg y De Mille, y a los comediantes Hnos. marx, W.C Fields y Mae West.

WARNER BROTHERS con su narrativa brusca y apretadamente estructurada, con una iluminación plana y escasa, platos austeros y una tendencia a cortar los fotogramas individuales de cada toma para darles un impulso adicional. Poseía un estilo realista y duro que mejor convenía a las películas de gánsters, prisiones y problemas sociales.

TWENTIETH CENTURY FOX tuvo a Ford como director más destacado. Fue fundada en 1935. El estudio alcanzo renombre por su producción de musicales vidriosos, remakes de éxitos del cine mudo, y comedias populares y nostálgicas.

UNIVERSAL siguió bajo el control de su fundador Carl Lámele hasta 1936 y las dificultades financieras del estudio se debieron en gran parte a no haber adquirido una importante cadena de salas de exhibición. Su producción se dedicó a las películas de terror.

RKO Radio Pictures era el estudio más nuevo y menos convencional de Hollywood. Su negocio era la distribución de películas de Walt Disney y de los independientes Selznick y Goldwyn. Luego contrató a Welles.

 

Generalmente se utilizaban los mismos equipos creativos para cada producción de los estudios. Se podía saber qué estudio producía cada película porque cada uno tenía un estilo particular y características únicas.

Los estudios también eran dueños de las salas de cineWarner Bros. tenía los Stanley Theaters y los First National ProductionsMGM los LoewsFox los Fox Theatres y RKO tenía hasta su propio sistema de audio en sus salas (Photophone), y Paramount tenía el monopolio de las salas en la ciudad de Detroit. Esos cinco estudios eran los dueños de todas las salas en los USA.

Básicamente, los estudios eran dueños de todo el proceso en la industria.

El sistema de estudio alcanzó su apogeo en el año 1939, cuando se estrenaron clásicos como The Wizard of OzGone with the WindStagecoachMr. Smith Goes to WashingtonOnly Angels Have WingsNinotchka, y Midnight. Entre otros títulos salidos de la Edad de Oro, que son considerados clásicos hoy día, podemos citar: CasablancaIt’s a Wonderful Life y la versión original de King Kong.

 

Los géneros de la edad de oro de Hollywood (1932-1946)

Un género se caracteriza por el grado de especialización de su contenido narrativo. La vitalidad de los géneros durante de los años 30 y 40 se mantiene mediante el desarrollo de una forma de producción orientada hacia la abundancia y la estandarización de los productos.
El cine de género, constituido a base de elementos codificados, inamovibles, que no acepta más que variaciones mínimas, se prestaba estupendamente a este modo de producción (a partir de la disolución del sistema de estudios en los años 50, empezara la degradación concomitante de los géneros). Otro signo de vitalidad fue la aparición, en el seno de algunos géneros, de subdivisiones (subgéneros) que tenían sus propias reglas. Ese fue el caso, para la comedia musical y del cine policíaco o criminal.

Desde el punto de vista de la producción, la clasificación de los films basándose en el género al que pertenecen, fue una de las exigencias del estudio system, en donde cada estudio tenía la doble exigencia de diferenciar los productos de modo que se pudieran repartir las inversiones en distintos géneros, con el fin de adecuarse a las tendencias del público y así especializarse.

Desde el punto de vista figurativo presentan una serie de elementos constantes, que se identifican con objetos simbólicos, y desde el punto de vista narrativo con las funciones del personaje.

Desde el punto de vista político ideológico cada género sirvió para comunicar un modelo colonialista de desarrollo (western), amenazas de países extranjeros con el comunismo (ciencia ficción) o exaltaciones hacia la vida nacional (musicales).

 

En 1930, la Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA) adoptó un Código de producción, el código Hays, que determinaba, en las producciones estadounidenses, una serie de reglas restrictivas, es decir, qué se podía ver en pantalla y qué no. Fue una forma de autocensura inspirada en la preocupación por el respeto a la moral y a las leyes, constituida por un conjunto de prohibiciones que los films debían obedecer. Se instauró un orden moral, y con él, una visión frecuentemente hipócrita y puritana que tendía a ignorar algunas de las realidades más fundamentales de la vida. Dejando a muchos sectores de la población fuera de pantalla, vedados del mundo.
Aunque establecido en 1930, se aplicó desde 1934 hasta que se abandonó en 1967, para dar lugar al nuevo sistema de Clasificación por edades de la MPAA.

A grandes rasgos, este código prohibía las escenas de crimen (debían ser presentadas de manera que no suscite imitación, no dar detalles ni ser demasiado explícitas), vulgaridad (no permitía abordar temas groseros, repugnantes y desagradables), el alcohol (nunca se debía representar de manera excesiva), la religión (los ministros de culto no podían ser mostrados nunca bajo un aspecto cómico o crapuloso. Los sacerdotes, los pastores y las religiosas nunca podían ser capaces de un crimen o de un grupo impuro). Las blasfemias intencionales y todo propósito irreverente o vulgar, estaban prohibidas bajo todas sus formas; debían respetar el carácter sagrado de la institución del matrimonio y del hogar. Los films no podían ahondar en las relaciones sexuales, escenas de pasión ni, mucho menos, mostrar el adulterio en pantalla. Ni hablar de relaciones que se alejen del concepto heterosexual de la época… No se permitían desnudos, el uso del vestuario estaba controlado, incluso los escenarios tenían que tener ciertas características para ser aprobados.

Los tres principios generales sostenían que:

  • No se autorizará ningún film que pueda rebajar el nivel moral de los espectadores. Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal, el pecado.
  • Los géneros de vida descritos en la película serán correctos, teniendo en cuenta las exigencias particulares del drama y del espectáculo.
  • La ley, natural o humana, no será ridiculizada y la simpatía del auditorio no irá hacia aquellos que la violentan.

 

Ahora bien, volviendo a los géneros y sus características.

Western: el más antiguo, esteriotipado, especializado del cine americano. Sobrevive durante los años 30, gracias a la forma de una producción en serie destinada a un público integrado por jóvenes o adultos poco exigentes. Por lo general se hacían con presupuestos pequeños, apresuradamente, y servían de complemento al programa. Luego de la guerra, el género se carga de mayor verismo. Ya no hay un héroe invencible, se trata de un ser ordinario y vulnerable; su psicología y motivaciones son menos claras y existe menor diferenciación entre buenos y malos.

 Terror: existía antes de los años 30 pero su grado de especialización aumentó en esta década. Durante los años 30 y 36 se da su mayor expansión, y en el 48 se unen la comedia y el terror. La diferencia con la ciencia ficción todavía no estaba clara, recién en 1950 aparece este género. Por lo general tendían a un bajo presupuesto.

Cine Criminal en sus diferentes formas: el policiaco tradicional, en el que un detective, frecuentemente aficionado, descubre al culpable de uno o varios asesinatos a partir de indicios que solo él parece ser capaz de interpretar correctamente; el cine de gángsters, como toma directa de ciertas realidades de la actualidad, se infiltra, producto de la prohibición, a todas las capas de la sociedad.
El género se agotó fácilmente, pero renació, bajo la forma de cine negro durante los años 40 y el film carcelario.

El drama Social producto de la crisis económica, desde el New deal, favoreció al examen, aunque novelado y dramatizado, de algunos problemas sociales. Historias por lo general inspiradas en los titulares de los periódicos.

El melodrama sentimental como género popular. Su objetivo consiste en emocionar, en hacer llorar al público. Generalmente los métodos usados para conseguirlo son los que constituyen en esencia la especialización del género.

 Americana, concierne a la historia, el folclore y las costumbres del país. Su preferencia por las crónicas rurales y provincianas no excluye, no obstante, los retratos de la vida urbana. Puede adoptar los modos de la comedia sentimental, del drama o del melodrama. La característica más común es un sentimiento de nostalgia hacia el pasado.

Films de Acción y Aventuras. El cine de guerra que luego se transformó en cine de la selva, o mismo de aventura marítima, ya que el público cambio su gusto por lugares más exóticos.

El cine biográfico. Este género histórico, poco practicado al principio del sonoro, volvió a tener importancia hacia 1933-34 para alcanzar su apogeo en los últimos años de la década. Los estudios aludieron a las personalidades históricas más diversas (pero se limitaron, la mayoría de las veces, al siglo XIX y principios del XX).

El cine cómico. Ningún género fue tan negativamente afectado por el sonoro como el cine cómico visual que cultivaron Chaplin, Keaton, Lloyd y Langdon. Solo Stan Laurel y Oliver Hardy, la pareja cómica más célebre de la historia del cine, superaron con éxito el sonoro. Los hermanos Marx dominaron la pantalla con su cinismo anarquizante y W.C Fields, donde la palabra prevalece sobre lo visual.
El lenguaje cómico mudo es sustituido por una forma de comicidad verbal profundamente anglosajona. También surgió Heddy Cantor a través de la comedia musical.

Este, así mismo, se dividía y tenía algunas características particulares:

Gag: chiste visual que implica sorpresa: caída de una supuesta apariencia. Su estructura se divide en tres partes: primero se ve venir, risa cómplice anterior, segundo, el momento de la concreción sorpresiva, y tercero, el remate.

Slapstick: tortazos, persecución, personajes payasescos.

Sitcom: personajes más verosímiles. Los gags son verbales; tienen sorpresa.

Estructura Lineal, en donde se acumulan varias acciones o Estructura Episódica, en donde débilmente hilvanadas se suceden varias situaciones con remate. Los cómicos no escribían guiones, sino que imaginaban las acciones y escenarios, y luego ensayaban hasta darle la forma a la actuación, sin llegar a ser una improvisación.

 

La comedia musical. Tuvo su gran apogeo al comienzo del sonoro, fruto de este, pero luego llego al hartazgo prontamente. Solo con la renovación de ciertos temas, lugares y ambientes, secuencias musicales coreografiadas en pos de una intriga y técnicas nuevas además de personalidades, se produjo su reflorecimiento. Con sus subgéneros, la opereta, el backstage musical, y el musical al estilo Astaire- Rogers para la RKO y por las coreografías de Berkeley en la Warner (luego en la MGM). Se desintegra principalmente cuando cae el sistema de estudios.

 

La screwball comedy o comedia americana surge en los años 30. Los temas y personajes retoman arquetipos más o menos modernizados. Las heroínas de condición modesta encuentran millonarios, hijos de una buena familia, o a la inversa. Permutaciones familiares, los pobres se hacen pasar por ricos y al revés (los equívocos acerca de la identidad y la usurpación de la identidad son temas constantes). La moral, implícita o explícita, de estos rompecabezas es convencional en si misma: el dinero no da la felicidad, la pobreza tiene su nobleza y los ricos son muchas veces egoístas e inconscientes. Las actrices fueron quienes hicieron triunfar al género. La originalidad reside en la vivacidad y la elegancia del tono, y en la sofisticación de los diálogos.

 

La entrada en Guerra de Estados Unidos en diciembre de 1941 despierta el cine de guerra, que se extiende hasta 1955 con la posguerra. Casi siempre inspiradas en acontecimientos reales, pero más o menos novelados.

 

Como mencionamos anteriormente, el Cine Negro fue inventado por los franceses hacia finales de los años 40 para designar un nuevo tipo de cine criminal aparecido en el cine norteamericano durante la guerra. “Negro” se aplica tanto al aspecto visual (predominio de secuencias nocturnas, fotografía que privilegia el claroscuro, las sombras y la penumbra) como al contenido (visión pesimista de la naturaleza humana, cinismo y fatalismo producto del desencanto de la posguerra). El cine negro se desarrolló bajo la influencia cinematográfica de Orson Welles y la Literaria de Hammett, Chandler y Cain. El expresionismo alemán sobre el estilo visual es innegable, ya que la mayoría de realizadores es de origen europeo, y por ello aportan este pesimismo característico europeo que encuentra en este género un terreno propicio.
El protagonista del cine negro es casi siempre un solitario aislado, sin ataduras aparentes. Es a menudo detective privado, una ocupación ambigua, equivoca, cualquier situación que le situé fuera de las normas sociales y le predestiné en mayor o menor grado al vagabundeo. Las mujeres como figuras codiciosas, pérfidas que no retroceden ante nada ni ante el asesinato para conseguir sus objetivos, arrastrando al protagonista a su perdición. Relaciones triangulares. Rivalidad, celos, y deseos. El protagonista tipo de una película negra es un hombre condenado y que se sabe condenado.
En el caso de la fotografía, como también acabamos de mencionar, tanto en exteriores como en interiores predominan las escenas nocturnas, la iluminación es siempre parcial, indirecta, insuficiente y amenazadora. De día, los interiores están sumidos en la penumbra por cortinas o postigos cerrados. Predominio de líneas verticales y oblicuas, heredadas del expresionismo, opuestas a la tradición del encuadre frontal del cine americano clásico; como así también profundidad de campo.

Géneros Limítrofes: el policiaco documental, el thriller social y el melodrama femenino.

 

La caída del Studio System

El estreno de ‘Snow White and the Seven Dwarfs’ en 1937 cambió la historia: Disney aprovechó un período en el que no se estrenaron películas de los grandes estudios, y arrasó en taquilla. Se trataba de una película independiente y sin actores empleados por grandes estudios. Esto aumentó la frustración de los cines, que seguían un sistema llamado block-booking: los estudios les vendían la producción de un año completo para cubrir las pérdidas, pero limitaban a las salas.

Como consecuencia, los mayores estudios fueron demandados por violar el Acto Sherman Anti-Trust. El acto prohibía a ciertas industrias realizar acciones anticompetitivas y limitaba monopolios. WarnerMGMFoxRKO y Paramount cedieron ante la presión y acordaron eliminar el block-booking, ya no se comprarían películas sin verlas antes (los cines las verían dos semanas antes del estreno), y se creó una administración encargada de comprobar que estas acciones se cumplían al pie de la letra.

Otras compañías, UniversalUnited Artists y Columbia, se negaron a participar del acuerdo, ya que no tenían salas de cine. Varios productores independientes tampoco estaban de acuerdo con las nuevas reglas y formaron una sociedad de productores independientes (Society of Independent Motion Picture Producers), a través de la cual demandaron a Paramount por su monopolio sobre los cines de Detroit.

Durante la Segunda Guerra Mundial los estudios rompieron las reglas sin consecuencias, pero una vez la guerra terminó se unieron a Paramount para defenderse en un juicio al respecto. La Corte Suprema falló en su contra, y los estudios se vieron obligados a liberar a los actores y técnicos de sus contratos. Como consecuencia, el modelo de producción cinematográfica cambió. Algunos artistas se mantuvieron en el sistema de contratos hasta el final de sus carreras (por ejemplo, Cecil B. DeMille), pero fueron pocos.

A partir de ese momento, la producción de cine dejó de identificarse a partir de los estudios, ya que perdieron sus marcas registradas de estilo. El número de películas producidas disminuyó, al igual que los presupuestos destinados a cada producción. Esto significó un cambio de estrategia para la industria: ahora los estudios buscaban producir historias espectaculares, que no pudieran ser emitidas por televisión, aunque también vendían parte de sus bibliotecas a las cadenas de televisión. Para 1949, los estudios habían cedido la posesión de sus salas de cine a otros empresarios.

La televisión fue otra de las razones por las que la Edad de Oro de Hollywood decayó, ya que el entretenimiento audiovisual ya no pertenecía sólo a la industria cinematográfica. El cine extranjero había entrado al mercado norteamericano cuando los estudios perdieron la hegemonía en las salas, y la censura ya no era tan dura como antes.

Lo que vino después, con la incorporación y este cambio de estrategia que hemos comentado, fue el Nuevo Hollywood, o cine post-clásico. Del que hablaremos en otra nota…

 

A modo de conclusión, podemos destacar que la ‘edad dorada de Hollywood’ tuvo mucha importancia a nivel filmográfico gracias a la invención del sistema de estudios, el desarrollo de géneros/subgéneros y el nacimiento de muchas estrellas (star system) que eran taquilleros más por su nombre que por el contenido que presentaban en pantalla.

Sin embargo, a pesar del brillo y el glamour que destilaban muchas de sus producciones, la desigualdad de género fue una constante, especialmente entre 1930 y 1950. Se argumentaba que los tipos de películas que se hacían, provocaban la disminución de la representación femenina, este descenso se produjo en todos los géneros, incluyendo los musicales, la comedia, la fantasía y el romance, que suelen ser más conocidas por estar protagonizadas por mujeres.

Antes de lo años 30, entre 1910 y 1920, la industria fue impulsada por cineastas independientes y la participación de las mujeres aumentó de manera constante. Mientras que, en 1930, los papeles de actuación de las mujeres se redujeron a la mitad y los puestos en producción y dirección disminuyeron casi a cero.
Pueden leer notas de algunas de las personalidades más destacadas en otras notas de este blog:

O si están interesados en saber cómo comenzó el cine, los pasos previos, el camino que debió andar antes de caer en esta época dorada. Pueden leer la nota acá.

 

Sin más, recuerden que esto es un pantallazo general de los acontecimientos. La historia del cine es mucho más compleja y exhaustiva, pero siempre es interesante tener algo de información al alcance de la mano para entender los cambios que se fueron dando a lo largo de los años y cómo influyó eso en los films que hoy consumimos respecto a los que alguna vez se produjeron.
También nos sirve para entender nuestro lugar, como mujeres, en una industria que siempre pecó de ser machista, pero en la que podemos ver grandes personalidades que, incluso sin destacarse en su época hicieron y cambiaron la historia y a las que le debemos parte de nuestro protagonismo hoy en el medio.

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