Conceptos básicos que todo Diseñador debe conocer

Con esta nota no pretendemos darles un curso de Diseño Gráfico, nos encantaría, pero este no es el caso; más bien buscamos acercarles algunos conceptos que creemos fundamentales, aquellos que hay que tener en cuenta y recordar antes poner manos a la obra. La mayoría de nosotros ya los conocemos, pero consideramos clave tener presentes algunas definiciones a la hora establecer las bases acerca de cómo encarar cada uno de nuestros proyectos.

Esperamos les sirva como una guía para tener a mano, por si acaso necesitamos refrescar algún tema puntual.

¿Empezamos?

¿Qué es el Diseño Gráfico?

Primero que nada, vamos a definir a qué llamamos Diseño Gráfico. Podríamos decir es la comunicación visual que logramos mediante el uso de textos, imágenes y símbolos.

Para desarrollar un diseño con estas características necesitamos dominar tres áreas específicas: las artes visuales (fotografía, ilustración, pintura, entre otras), la tipografía (establecer, organizar y diseñarla) y la composición de la página, es decir, la disposición visual de todos esos elementos que vamos a estar utilizando y nos permitirán lograr la comunicación deseada.

Si nos detenemos a pensarlo sólo un segundo, nos daremos cuenta que el diseño se encuentra en todos lados, a nuestro alcance, todo el tiempo, invadiéndonos visualmente en la calle, en la televisión, en los libros, las películas, el contacto con otras personas…

Podríamos continuar, entonces, definiendo quién es el Diseñador y qué hace.
Su función será la de comunicar, debe ser capaz de tomar palabras e imágenes ordinarias y traducirlas a un mensaje accesible, atractivo y significativo.
El objetivo será crear una presentación visual de la información, con un sentido de orden y claridad que harán más fácil que el espectador comprenda ese mensaje antes mencionado.
Este diseñador deberá ir evolucionando a la par de su medio, que se encuentra en constante cambio, para no quedarse atrás, sobrevivir y brindar un buen servicio a sus clientes. Es muy importante estar actualizados.

Un Buen Diseño

No hay una receta infalible para crear un buen diseño, lo más importante es la práctica, aplicar todos los conceptos que conocemos y jugar con ellos, hasta dar con el resultado esperado. Pero podríamos basarnos en la regla de las 3F para acercarnos un poco más a lo que debemos dominar para lograrlo, o al menos acercanos a él.

Las 3F son: form (forma), feeling (sentimiento) y function (función).

La forma es la estructura, debe ser visualmente muy atractiva, sus colores necesitan estar en armonía y las tipografías muy bien elegidas.

El sentimiento es aquello que vamos a evocar a través del mensaje. Debe provocar o alterar el estado de ánimo del espectador, estimular una respuesta emocional adecuada a lo que estamos trasmitiendo.

Mientras que la función será el resultado, es decir, el diseño debe servir al propósito para el cuál lo estamos creando, necesita ser fácil de leer y entender y, sobre todo, fácil de ser ejecutado (llevarlo a la imprenta a imprimir, proyectarlo en la web, volcarlo en diferentes texturas en merchandising, entre otras).

¿Cómo vamos a saber entonces si hemos creado un buen diseño? Como mencionamos hace sólo unos momentos, con la práctica sólo verlo será suficiente para darnos cuenta y reconocerlo.

Diseño y Composición

Crear una composición es jugar con los elementos. Podremos conseguir diferentes resultados y efectos según el peso de la imagen, la disposición que le demos a los elementos dentro del espacio… Aunque no existan normas estrictas, hay ciertas reglas generalmente aceptadas por los profesionales que seguimos la mayoría, pero, como ya todos sabemos, siempre haya una regla, tenemos que tener en cuenta que se hicieron para romperse.

Hay seis principios básicos que nos van a ayudar a llevar a cabo una composición.

• Equilibrio: es la ponderación visual de un diseño (que los elementos estén acordes y sean uniformes).
  Existen 3 maneras de equilibrar:
                    
  – Equilibrio Simétrico: A partir de un eje, los espacios se reparten de igual forma, es visualmente igual de ambos lados de ese eje (imagen izquierda).
  – Equilibrio Asimétrico: Se compensan los espacios de un lado y el otro del eje, con elementos de mayor o menor importancia visual. Esto dará una ilusión de igualdad, a través del peso de los diferentes elementos (imagen central).
  – Equilibrio Radial: A partir de un punto central, se organizarán los elementos alrededor de él, se dispondrá el contenido en relación a él (imagen derecha).
• Proximidad: cómo agrupar los elementos y los espacios. Cuando varios elementos se encuentran próximos, se convierten en una unidad visual única, es decir, se agrupar como artículos juntos, separándolos de otros objetos agrupados, con diferentes características de ellos. El recorrido de la vista debe de tener un principio y un final definido.
• Alineación: mantener objetos en línea, unos con otros. Así conseguimos una armonía visual. Por esto es muy importante la utilización de reglas y guías en el diseño.
• Repetición: forma de unir el diseño creando un ritmo. Es la constancia en la visualización de un elemento, este ritmo está en la estructura.
• Contraste: distinción creando y destacando diferencias. Se busca marcar un orden visual de lectura, por ejemplo, a través de las diferentes familias de una tipografía, el tamaño y color de los diferentes objetos.
• Espacio blanco: “el arte de la nada”, es la capacidad de no colocar nada, generando mensajes minimalistas y efectivos. Un mensaje concreto sobre un espacio libre, manteniendo el diseño simple. Es visualmente limpio, no sobrecarga al espectador.

Además de estos principios, también podríamos agregar que los elementos dispuestos a la derecha o en el margen inferior tienen mayor fuerza visual, mientras que los situados a la izquierda y/o en la parte superior dan una sensación de liviandad. O que las formas angulares y alargadas amplían el campo de visión y proporcionan un efecto de magnificencia, mientras que las cortas transmiten humildad.
Las formas más sencillas y regulares son más fáciles de recordar y de asimilar, así como las simétricas, ya que ayudan a cumplir con la armonía y la perfección que tanto buscamos. Mientras que las imágenes más grandes simbolizan la fortaleza, las pequeñas producen un efecto de debilidad o de delicadeza. Por último, los colores más vivos tienen más presencia y un mayor efecto visual que los colores pastel, pálidos, y tenues.

Si bien cada uno de los elementos de una composición tienen importancia propia, de nada sirve estudiarlo independientemente del resto, si luego, en conjunto, no transmiten nada, o la composición resulta vacía, descompensada, fría.

Lo más importante es crear una imagen que llame la atención del espectador, que sea comprensible y que cumpla con su función principal, que es transmitir con éxito un mensaje específico. Si conseguimos una armonía entre los elementos, un equilibrio perfecto que aúne todo, estaremos más cerca de conseguir nuestro objetivo que si todo funciona por separado, pero no juntos.

Tipografías

La tipografía es el arte o proceso de ajustar, arreglar y diseñar tipos (caracteres que van a trasmitir los mensajes). Es la estrella de la comunicación ya que no alcanza sólo con imágenes para trasmitir el mensaje. Ella da contexto, controla las emociones, cuenta una historia, crea elementos sin necesitar de otros adicionales.

Es el diseñador quién debe elegir la imagen y la sensación de un diseño y trasmitirlo a través de la tipografía.

Algo que ahora necesitamos aclarar, para no entrar en confusiones, es la diferencia entre fuente y tipos de letra. A pesar de que muchas veces se piensa que es lo mismo, son diferentes.

Llamamos tipos de letra a las familias, mientras que las fuentes son todos los miembros de esa familia. Para entender esto con mayor claridad podemos decir, por ejemplo, que la Familia Helvética será el tipo de letra. Mientras que papa Bold, mama Medium y sus hijos Light y Oblique, serán las fuentes. Las fuentes tendrán un tipo de letra, un estilo y un tamaño determinado.

Ahora debemos identificar y tener en claro cuáles son los tipos de letra que existen y distinguir entre la Serif, Sans-Serif y las tipografías Monospace (monoespaciadas).

Las serifas (del francés serif), tienen remates, es decir, adornos ubicados generalmente en los extremos de las líneas de los caracteres tipográficos. Son muy útiles para la lectura y se suelen utilizar en párrafos largos de texto, aunque no es su único uso.

La Sans-serif (del francés sans: “sin”), en la industria de la impresión, son conocidas como aquellas tipografías sin remates, no tienen acabados en los bordes, también se las conoce como palo seco o palo bastón.

Por último, podemos decir que un tipo de letra monoespaciado es aquel en el que sus caracteres ocupan exactamente la misma cantidad de espacio horizontal, independientemente de la letra que escribamos, todas son iguales. Esto es diferente de los tipos de anchura variable, donde las letras difieren en tamaño unas de otras, que es lo que sucede en las serif y sans serif. Pueden tener remate, pero no hay que confundirlas con las Serif ya que su característica principal tiene que ver con el espacio que ocupan los caracteres y no con el “diseño” de la misma.

Anatomía de la Tipografía

La tipografía se divide en tres alturas, lo que nos va a servir para tener en cuenta cómo usarla en los diferentes tipos de diseño. Debajo de ella tendremos la línea base, que es donde se apoyarán la mayoría de los caracteres, funcionaría como el renglón de una hoja, aunque tendremos algunas letras que irán por debajo de ella, como la p, y, g, j; que tienen cola o descendente.

En el medio tendremos la altura de la x que será la línea central a donde se apoyará la altura de la mayoría de las letras, al igual que la línea base, algunas de ellas sobresaldrán en altura, como la h,l,k,t,f, esto se llaman ascendente.

Por último, tendremos la altura mayúscula que, cómo su nombre lo indica, es la altura que tendrán las letras en mayúscula y aquella que alcanzarán los caracteres que tengan una altura mayor que la x.

Estas líneas son fundamentales en el interlineado entre los párrafos, para permitir que tengan una mejor lectura y no se pisen unos con los otros.

Después podríamos hablar de las características que hacen a la tipografía como los remates, si es serif; el asta, que es la parte central de la fuente, la vertical que va desde la línea base hasta la altura; la cola, que ya hemos mencionado más arriba. El ojal, que son las zonas huecas dentro de las tipografías tales como la O (huecos completamente redondos) o bucle, las curas que tienen algunas tipografías como la P (que no son completamente redondos). El brazo, que es la ramificación del tronco central, el pico, que son las esquinas marcadas e incluso la oreja, que sale por la parte superior, como la cola, pero en la superficie.

Los nombres pueden variar, pero, a grandes rasgos, estas son algunas de sus características que hacen a la tipografía.

Terminología del Tipo

• Pica: es, generalmente, medida que se utiliza para medir líneas de texto. Una pica es igual a 12 puntos y 6 picas son igual a 1 pulgada.
• Punto: es la unidad de medida general para las fuentes. 72 puntos son 1 pulgada, por lo que 6 picas son 72 puntos.
• Interlineado: es el espaciado que existe entre dos líneas de texto. Se mide en puntos desde una línea base a otra.
• Tracking: espaciado entre todos los caracteres a través de todo el bloque de texto, separación igual entre ellos.
• Kerning: espaciado entre dos caracteres individuales, dentro del bloque de texto.
• Glifo/Pictograma: representación de un carácter dentro de un tipo de letra determinado: son variantes de la misma letra (por ejemplo: diferentes tipos de cursivas del mismo caracter).

Algunas reglas

Si tuviésemos que remarcar algunos puntos importantes a tener en cuenta a la hora de elegir y utilizar las tipografías para nuestros diseños, nos gustaría destacar:

• Usar tipos de letras clásicos ya que ayudan y aseguran la legibilidad del trabajo, sobre todo en textos largos. Para experimentar podemos usar textos más cortos.
• Debemos limitar la cantidad de tipos que vamos a utilizar. Entre una y tres debería ser suficiente para el proyecto para no tener demasiada información.
• El tamaño promedio de la tipografía, dependiendo el medio de reproducción, no debería ser inferior a 10-12, ya que debe ser legible. Obviamente hay algunas excepciones donde podremos llegar a 9 o un poco menos, dependiendo su fin, pero a grandes rasgos deberíamos manejarnos en estos tamaños.

Así como es muy importante mantener la proporción de la tipografía, sus características, no deformarla ni distorsionarla.

• No mezclar tamaños y pesos en una misma frase. Que cada texto tenga su propio estilo. Pero si crear contrastes entre ellas para destacar, sobre todo del fondo. Hay que saber dónde empieza y termina cada elemento.
• Las tipografías deben estar unificadas, es decir, combinar entre sí, ser homogéneas.
• Utilizar la alineación apropiada, óptima; es de mejor lectura tener un alineado a izquierda o derecha que utilizar la justificación del texto.
• Debemos evitar las viudas y huérfanas, es decir, las palabras o frases que quedan solitarias en el renglón siguiente, antes del comienzo de un nuevo párrafo.
• Evitar el subrayado. Para llamar la atención o destacar una palabra podemos usar cursiva o negrita, así como guiones o comillas rectas que son más agradables a la lectura.

Psicología del Color

La aplicación de determinado color, afecta de diferentes formas al cerebro, provocando una sensación o respuesta diferente. Por eso es muy importante conocer su psicología antes de aplicarlos, para que produzcan los efectos deseados. Hay que elegir el color adecuado, acorde al mensaje que se desea trasmitir.

El círculo cromático se divide en dos grandes grupos. El grupo de la izquierda, conocidos como los colores cálidos, son aquellos que representan la pasión, felicidad, entusiasmo, fuerza y energía (rojo-naranja-amarillo). Y el grupo de la derecha, los colores fríos, aquellos que representan la calma, estabilidad, profesionalidad y honradez (verde-azul-violeta).

Así mismo, se subdivide en tres grupos más. Los colores primarios, aquellos que no se pueden crear mezclando otros colores (rojo-amarillo-azul). Los colores secundarios, que se consiguen mezclando directamente los primarios entre sí (naranja-verde-violeta). Y, por último, los colores terciarios, que son la combinación de los primarios y secundarios (amarillo-naranja, amarillo-verde, azul-verde, azul-violeta, rojo-violeta, rojo-naranja). Por lo que, podemos decir, que tenemos 12 colores.

Vamos a darnos un pantallazo general de lo que podría trasmitir cada uno de estos colores:

• Amarillo: Estimula el proceso mental, el sistema nervioso, activa la memoria y es el color más feliz del espectro.
• Verde: Crea una sensación de calma y tranquilidad, relaja tanto mental como físicamente; ayuda a aliviar el nerviosismo y la ansiedad, ofrece una sensación de renovación y armonía.
• Azul: Crea una sensación de calma, promueve la productividad y es considerado como un color confiable y fiable. Es muy utilizado en el rubro corporativo/empresarial, por esto último mencionado.
• Violeta: Considerado como muy edificante, crea una sensación de calma. A menudo se lo relaciona con la espiritualidad, fomenta la creatividad; combina la estimulación del rojo y la calma del azul.
• Rojo: Estimula la energía, puede elevar la presión arterial o inspirar a la acción. Inspira confianza, nos da la sensación de protección y llama la atención más que cualquier otro color.
• Rosa: Da sensación de energía, como el rojo, puede aumentar la presión arterial, inspira confianza; es considerado juvenil, divertido y emocionante.
• Naranja: Estimula la actividad, aumenta el apetito, inspira el comportamiento social y es el color más controvertido.

Colores sin pigmentación:

• Blanco: Promueve la sensación de claridad, anima a suprimir elementos, simboliza nuevos comienzos y purificación. Es uno de los colores más neutros del espectro.
• Gris: Puede ser inquietante para algunas personas, tiende a crear expectativas, es el color del intelecto, visto como de larga duración, refinado y elegante.
• Negro: Es un color relajante, promueve la sensación de poder y autoridad; puede ser abrumador en grandes dosis y evoca emociones fuertes. Se suele asociar con lo Premium.

Armonías y Reglas de Colores

Es la búsqueda para combinar las diferentes paletas de forma más fácil, esto no quiere decir que son las únicas combinaciones posibles, pero sirven como disparador a la hora de incursionarnos en esta creación y son las que suelen dar mejores resultados.

• Complementarios: son los colores que están colocados uno frente al otro en la rueda de color (equidistantes en el círculo cromático).
• Análogos: están situados a cada lado del que elegimos como color principal, son los colores vecinos del círculo cromático los cuales, tiene un color como común denominador. El conjunto de estos colores ofrecen una paleta audaz y atrevida.
• Triadas: están situados en un ángulo de 120° uno del otro dentro de la rueda de color, formando un triángulo equilátero.
• Tetrada: utiliza los cuatro colores que se encuentran a la misma distancia en el círculo cromático, formando un cuadrado.
• Adyacentes: son los colores que se encuentran a la izquierda y a la derecha del complementario, combinación de complementarios divididos. Los colores adyacentes poseen una similitud de familia, y forman lo que se denomina armonías análogas.

Por último, debemos distinguir los colores que utilizaremos para impresión: CMYK, mejor conocidos como colores pigmento. Son colores sustractivos (cyan-magenta-amarillo-negro) que deben ser suprimidos por completo (como su nombre lo indica) para poder conseguir el blanco, es decir, no debe imprimirse ninguno de ellos. Es un método óptimo para la impresión comercial ya que consigue que todos los tonos se plasmen en el papel. De los colores para web: RGB, mejor conocidos como colores luz. Son colores aditivos ya que, para lograr el blanco, tengo que combinarlos al 100% (rojo-verde-azul). Son óptimos para la visualización en pantallas.

La elección del tipo de color que utilicemos, va a depender del objetivo del diseño y dónde se va a reproducir. Cada uno de estos colores tiene espectros visibles y luminosidades diferentes por lo que, adaptarlos de un medio a otro puede que no genere una representación fiel de cada uno de ellos, aunque puede que en algunos casos se mantenga más similar que en otros.

Dicho todo esto, no nos queda más por compartir con ustedes, al menos de momento.

Recuerden que el objetivo de esta nota es aclarar algunos conceptos básicos para que siempre los tengamos a mano a la hora de trabajar, pero no pretendemos darles un curso sobre el tema, sino ayudarlos a entender esas pequeñas cosas que, quizás estamos muy acostumbrados a usar cuando trabajamos, pero no terminamos de entender a nivel conceptual o de tener presentes.

Esperamos les haya servido el contenido de este artículo. Si tienen alguna pregunta o algo no quedó del todo claro, no duden en dejarlo en los comentarios para que podamos guiarlos.

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Escrito por Camm
Contenido recopilado de Internet
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