Historia del cine: El nacimiento

por Avanti

26/06/2020

Camm

Cine

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¿Cómo comenzó todo?

La historia del cine empezó el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon. El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte.

Para esto, utilizaron el cinematógrafo. Una cámara y un sistema de proyección en pantalla de una película de 35 milímetros a unos 16 fotogramas por segundo; el chasis podía tener 17 metros de película, unos 50 segundos aprox. Los hermanos Lumière desarrollaron este aparato a partir del kinetoscopio, creado por Edison; lo patentaron en febrero de 1895, y con él han pasado a la historia como los inventores del cine.

En un año estos hermanos rodaron más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero como todo gran invento, los cambios y mejoras llegaron rápidamente. El desarrollo de las nuevas técnicas cinematográficas, de una mayor narrativa, y la elaboración de los primeros guiones de ficción, provocó que los hermanos Lumière quedaran en segundo plano en el crecimiento de su cinematógrafo…

Si somos honestos con nosotros mismos, el cine no comienza con la llegada de los Hnos. Lumiere, sino que se remonta a la era de las cavernas en donde ya estaba la ambición por captar el movimiento. Surge como fruto maduro tras una acumulación de hallazgos y experiencias diversas; como invento colectivo.

Podemos hablar de algunos antecedentes a este acontecimiento. Como el kinetoscopio de Edison en 1893 que capturaba y reproducía imágenes en movimiento, fue el primer aparato en el que se podía ver cine, un sistema que permitía ver 40 fotogramas por segundo; la desventaja era que solo un espectador por vez podía vivir la experiencia, no en forma colectiva como el cine actual.

A finales del siglo XIX ya existía la impresión de imágenes de la realidad en un soporte estable, la fotografía. También existía el movimiento de la imagen o la animación (producto de un fenómeno denominado la persistencia retiniana, un supuesto fenómeno visual que demostraría como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo más, antes de desaparecer por completo), las cuales se proyectaban en pantallas como espectáculos ópticos. De allí se produjo el salto hacia al nacimiento del cine. Y mientras Edison, en Estados Unidos, patentaba el kinescopio el 31 de agosto de 1897, su fabricación había comenzado en 1894; los hermanos Lumière, en Francia, inventaban el cinematógrafo.

También estaban los Hnos. Skladanorsky que no llegaron a comercializar sus productos, como el bioscopio (un aparato óptico utilizado para reproducir y proyectar imágenes en movimiento, acoplado a una linterna mágica); y finalmente los Hnos. Lumiere con el cinematógrafo en 1895, que podía filmar, revelar y reproducir imágenes en movimiento.

El kinetoscopio se comercializó en Estados Unidos en 1894 con tal éxito que, ese mismo año, llegó a Europa. Un año después, en Francia, los hermanos Louis (1864-1948) y August (1862-1954) Lumière, tras presentar en distintas sociedades científicas el cinematógrafo; dieron un espectáculo pago el 28 de diciembre de 1895, en el Salón Indien del Gran Café de París, y presentaron ‘La llegada del tren a la estación’.
La anécdota más populares (y desmentida), que casi todos conocemos, es como el público, que se encontraba presenciando la proyección, vio tan real la aproximación del tren en la pantalla, viniendo hacia ellos, que salieron corriendo. Asombrados ante el realismo de las imágenes en movimiento, los espectadores creían que una locomotora auténtica estaba irrumpiendo en la sala y se los iba a llevar por delante. Por eso, no importa la de veces que se desmienta que la estampida se produjera realmente, su mito ha seguido propagándose.
La fuerza simbólica de la anécdota es perfecta para mostrar la fascinación que causaba el invento del cinematógrafo y su potencial a la hora de generar reacciones emocionales en el público.

 

Por lo tanto, deducimos que la invención del cine no es producto del esfuerzo de un hombre, sino, más bien, como consecuencia del progreso científico de una época.

Podemos decir que fue George Eastman, el fundador de la Eastman Kodak Company, quien inventó del rollo de película, que sustituyó a la placa de cristal, con lo cual consiguió poner la fotografía a disposición de las masas.
Por consecuente, la película para grabar la había inventado George Eastman, la perforación de la misma fue introducida por Dickson, mientras trabajaba para Edison, quién se ocupó de la proyección como tal existía. El mérito de los Lumière estuvo en saber combinar todos esos acontecimientos e inventar el mecanismo de arrastre de la película en un solo aparato, además de proyección más fiable y de mayor calidad que las alcanzadas hasta el momento.

 

Las películas que ofrecían los Lumière eran “escenas naturales”, es decir, puesta en escena de lo real como estética de la vista y los temas remiten a lo pintoresco y predilección al exotismo colonial, producto de la ideología imperialista francesa, absolutamente vulgares e inocentes, destinadas a un público popular, ya que el cine en primera instancia se inscribió en lo popular.

Las primeras proyecciones, a pesar de tener la cámara fija, en los encuadres ya contenían toda la gama y variedad de planos que pueden aparecer en una película moderna, debido a la profundidad de foco y al movimiento del tren y las personas, aunque sin conocer las posibilidades que ofrecía el montaje.

Las secuencias no se ocupan de lo real en la medida que no elaboran figuras realistas, sino que describían las mismas. Presentaban un tipo de vista panorámica, dejando la mirada libre del espectador para vagar por el total encuadrado. Estos primeros films capturaban el espacio y el tiempo en una toma única; son unicelulares. Supera el interés por mostrar el movimiento, en vez de lo narrativo. Los Hnos. Lumiere dieron forma al documental y al cine realista. Se basaron en la modernidad propia de principios de siglo y la llevaron a la pantalla tal cual la observaban, sin intervenirla.

 

El cinematógrafo, para su funcionamiento, requería el uso de cuatro técnicas ya inventadas y conocidas: fotografía (soporte flexible), proyección, análisis de movimiento (intermitente) y síntesis del movimiento (arrastre de la cinta).
Su éxito comercial residió en la practicidad de poder capturar, reproducir e incluso hacer copias de las imágenes en un mismo ligero y portátil aparato.

Como mencionamos más arriba, Lumière introdujo al campo de los conocimientos la novedad del movimiento intermitente cuyo desplazamiento regular y estable hizo posible el mecanismo de arrastre de la película.

 

Tras el éxito comercial mandan corresponsales por el mundo a tomar vistas de lugares exóticos con el fin de ampliar el repertorio de films. Se construyen paralelamente salas de cine. Pero en Estados Unidos, el Presidente McKinley, de carácter proteccionista los expulsó del país. A finales de 1898 puso fin al sistema de concesiones y disminuyó bruscamente sus producciones. En 1900 abandonaron la exhibición y producción para dedicarse solamente a la fabricación y venta de aparatos y película virgen. Pero en 1902, sus productos fueron aplastados por la competencia que había avanzado notablemente en términos técnicos.

 

Esta época del cine se caracterizó por el método de representación primitivo (MRP).
Sus características eran:

  • Cuadro fijo, posición horizontal y frontal de la cámara.
  • Gestual (mudo), se apoya del recurso literario, la palabra, para explicar situaciones, y con ello se elimina todo posible suspenso cuando preceden al cuadro de la acción. Se acompaña de la música.
  • No tiene un final narrativo sino cuando el rollo de película se acaba o mismo cuando este es punitivo. Finales abiertos, similar al circo. Esta etapa se define como la no- clausura del relato. El plano emblema soluciona parte del problema, pero por su aspecto de presentación y a menudo extra-narrativo, rechaza la clausura.
  • Los personajes no son fácilmente reconocibles, por la distancia desde que los vemos. Solo disponen de una escritura de gestos. Ausencia de persona clásica.

 

Este modo de representación entrará en crisis cuando la Escuela de Brighton experimente cinematográficamente con el lenguaje utilizado en las producciones de la época. Aunque una serie de directores realizaron grandes innovaciones en algunas de sus películas, no se puede considerar que se rompe con las normas del cine primitivo. Algunos ejemplos que permiten ver estos cambios, el traspaso hacia el cinema clásico son:

  • The Miller and the Sweep (1898)
  • Grandma’s Reading Glass (1900)
  • Mary Jane’s Michap (1903)

 

Con el surgimiento de Griffith, el cine cambia sus formas y métodos. Aprende las reglas del relato clásico y establece las bases de su sintaxis narrativa. Pasa a ser llamado Cine de trasparencia.
La figura del autor se enmascara en los enunciados fílmicos y se busca una identificación del espectador con los personajes protagónicos del argumento. Es un nuevo modo de percibir la realidad por medio del montaje. Lo que cambio completamente la forma de hacer películas. Sus principales características son:

Modo de representación institucional (MRI)

  • Transparencia: fluidez, nada salta.
  • Protagonista-antagonista: genera tensión dramática, establece ritmo y cadencia.
  • Estructura en tres actos: introducción, nudo, desenlace.
  • Leyes de continuidad: raccord, naturalidad en la actuación, ley del eje… entre otros.
  • Temas con historias acabadas: el argumento dramático con moral incluida.

La primera película de esta índole fue ‘El nacimiento de una nación’ realizada en 1914 por él. Pero para llegar a esto, todavía nos falta camino por andar.

 

Ahora hablemos de los directores, productores y personalidades que ayudaron a llegar, desde los Lumière hasta Griffith…

 

MELIES

Director y productor del teatro “Robert houdin” en 1888. Su inclinación por el ilusionismo, lo extraño, lo excéntrico y lo burlesco termina insertándolo en el mundo del espectáculo y en 1897 construye el primer estudio cinematográfico.

Al principio, como todos, Méliès imitó a Lumière, pero luego tuvo la magnífica idea de filmar los trucos realizados en vivo de sus obras teatrales a partir de técnicas cinematográficas.

El truco de la manivela es producto de esta experimentación. Si bien el planteamiento era todavía teatral, la cámara estaba inmóvil y reproducía fotográficamente lo que ocurría en el escenario, su empleo era cinematográfico.

Supo coordinar un repertorio de trucos cinematográficos en estructuras figurativas y rítmicas sugerentes y eficaces. Méliès, además, se ocupó personalmente de la ideación de la escenografía, elección y dirección de actores. Hasta 1906 se vio obligado a utilizar la luz natural por ser todavía demasiado imperfectos los sistemas de luz artificial.

Su primer éxito es “Viaje a la luna” en 1902, pero también se aventuró a actualidades reconstruidas y el documental. En sus películas exhibe un espíritu irónico, y ridiculizante.

Contrario a lo que venía pasando en el cine hasta el momento, Méliès más que reproducir un suceso, participa en la producción de los elementos espectaculares e ideológicos y las formas de consumo, simula la reproducción. He aquí los dos polos antitéticos en los que se moverá el cine a lo largo de toda su historia: Realismo y Fantasía.

Debido a la rápida evolución de las técnicas y el gusto del público, Méliès se ve obligado a firmar un acuerdo con Pathé que se convierte en productor y distribuidor de sus últimas películas. No pudo conciliar la calidad artística de una producción artesanal con las exigencias de una expansión comercial a escala internacional.

El cine es hijo de la sociedad industrial, sus orígenes condicionan su desarrollo.

 

PATHE 

Es el “industrializador del cine”. Introdujo el concepto de empresa cinematográfica. En vez de la venta directa de las películas, pasó a su alquiler. Gracias a él, feriantes y exhibidores, podían alquilar por un periodo determinado de tiempo cada uno de los films.

Fundó el triángulo de la producción, distribución, exhibición. Pathé no descuido ninguno de estos tres sectores que articulan la industria cinematográfica, al contrario, los demarco y diferenció. Además, se adecuó a las exigencias del público con su plan de ampliación y diversificación de los contenidos, para que todos los sectores sociales participen.

Zecca fue el realizador de esta industria, e incorporó ritmos rápidos y eficaces, copió a Méliès en lo cómico y a Lumière en lo dramático. Aportó al cine de fantasía tendencias más realistas, popularizó los rostros con la introducción del plano americano y el primer plano. Produjo obras adaptadas al pueblo, tocando temas fuertes en un visión periférica y esquemática, convirtiéndolo en un folletín social.

También incorporó a Max Linder, como primer cómico, el máximo exponente de la sitcom.

 

GAUMONT

En 1905 construyó el gran estudio de “Buttes Chaumont” y gracias a una progresiva inversión en el sector tecnológico, consiguió un método satisfactorio de reproducción y sincronización de los efectos sonoros.
Luego, posterior a Pathé, se internó en los demás sectores (distribución y exhibición) consiguiendo un circuito cerrado de salas.

Alice Guy estuvo a cargo de la realización (Pueden leer todo lo que ya les contamos sobre ella en otra nota, haciendo click aquí). Que luego pasó a Louis Feuillade, uno de los inventores del serial cinematográfico.

 

EL FILM D’ ART

En 1907 el público ya se estaba cansando de ver siempre los mismos asuntos en pantalla, además de ser un único publico el que asistía a ver cine, los sectores populares.
Entonces los Hnos. Lafitte fundaron en 1908 la sociedad productora Film d’ Art, poniendo a su cabeza a dos hombres de teatro. La solución era llevar los grandes temas del teatro clásico o hacer que escritores famosos narren argumentos para el cine específicamente. Y utilizar grandes actores para prestigiar el espectáculo, poner punto final al anonimato artístico del cine primitivo e introducir la noción de “estrella”, qué más adelante desembocaría en el star system en EE.UU., del que pueden leer haciendo click acá.

Su propósito era formar fructíferos vínculos entre el establishment literario y teatral parisino, por un lado, y la industria cinematográfica por el otro.

Las realizaciones tuvieron como desventaja la lentitud de la narración, en comparación a la aceleración que estaba sufriendo el lenguaje cinematográfico. Tenían una concepción teatral de la interpretación y la escenografía, estaticidad de encuadres y ausencia de montaje. Estas falencias, sin embargo, ayudaron a abrir el campo social de los espectadores y también ayudó a la complejización de las estructuras narrativas y, con ello, a nuevas duraciones como premisa indispensable para el desarrollo del cine narrativo.

Zukor compraría los derechos del Film d’ Art. Y fundaría “actores famosos en obras famosas”; que, luego se transformaría en la “Paramount Corporation” agrupando a las grandes firmas independientes. De lo cual también hablamos en la nota antes mencionada.

 

PORTER

Heredó el mérito de los pioneros europeos al inventar el cine, de Méliès la puesta en escena, de los ingleses (‘Escuela de Brighton’) el montaje como elemento narrativo y de Zecca que perfeccionó la estructura del relato.

Edwin S. Porter, tuvo la genial idea de montar por separado una serie de escenas de archivo de incendios y acciones de los bomberos, por un lado, y por otro, secuencias de bomberos tomadas por él mismo. El resultado fue, la primera película de montaje de la historia del cine ‘Life of an American Fireman’, 1903.

Consolido una técnica narrativa. Sentó las bases del cine de acción e introdujo el género Western, perfeccionando lo antes mencionado, en “Asalto y robo al tren” (1903), en la que mezcla varias historias rodadas por separado que confluyen en un momento determinado.

Entre las secuencias, que podemos destacar: unos bandidos que han asaltado la estación, la hija del telegrafista que al que han amordazado, y un baile en el que está la gente del pueblo. La historia finaliza en la confluencia de estos tres relatos en un final en el que los bandidos son rodeados y vencidos. El final de la película es otro avance indiscutible: el primer plano del actor George Barnes, jefe de los bandidos, que apunta su revólver hacia el público, y dispara. Desde esta película el avance del lenguaje cinematográfico fue imparable.

Ésta película introdujo el montaje paralelo, complejizando el relato, y el primer plano, pero sin tener la intención dramática que le aportara Griffith.

 

GRIFFITH

Es considerado el padre del lenguaje cinematográfico. Impulsó una cultura literaria y teatral, basándose en obras literarias, que otorgaron al cine, drama y acción.
Encontró la equivalencia del “mientras tanto…” literario con el montaje paralelo. Supo coordinar los recursos ya inventados (primer plano, cámara móvil, acción paralela, iris fotográfico, partitura musical compuesta especialmente o el uso del virado a color…etc) creando así, una primera gramática cinematográfica. A diferencia del teatro filmado con cámara quieta, acción única y cuerpos enteros.

Introdujo en la técnica narrativa una verdadera revolución artística: desplazamientos del punto de vista de la cámara en el interior de una misma escena para guiar el ojo del público, uso dramático del primer plano, acciones paralelas y saltos en el tiempo y espacio a través del montaje. Llevó a cabo una síntesis de procedimientos ya inventados, pero los utilizó sistemáticamente, con gran sentido de la funcionalidad expresiva y de la economía narrativa. Creó un lenguaje de intención dramática.

La dirección de actores buscaba la espontaneidad y el movimiento, a diferencia de la gesticulación excesiva. También apostó al largometraje, lo que le causó su separación de la Biograph, compañía competidora de Edison, y a sus temas polémicos.

“Maratón de la muerte” en 1912 presenta un raccord de movimiento y de posición, planos detalle, acciones secundarias que enriquecen el relato, fragmentación de las unidades de acción de los personajes generando así ritmos de acuerdo a los tiempos: clímax.

“El nacimiento de una nación” (imagen espectacular, primer plano, concisión en el planteamiento de escenas, montaje alterno y paralelo, movimiento de cámara y personajes) fue su primer éxito comercial, aunque conllevaría una polémica ideológica (hace apología al klu-klux-klan, ya que la victoria de los afroamericanos del sur deviene en libertinaje, entonces llegan los blancos del norte a poner orden). Gracias a esta obra el cine conquista todas sus bases: espectáculo, narración, lenguaje y economía.

“Intolerancia”, obra cuádruple, que articula cuatro historias humanitarias que condenan las distintas formas de intolerancia de las distintas épocas. Es una ambiciosa propuesta que cayó en el fracaso comercial a pesar de ser una continuación de las propuestas anteriores y una respuesta a la crítica ideológica anterior. El problema radica en la falta de tensión entre las acciones por estar tan dilatadas en el tiempo, es un film que dura aproximadamente 3 horas.

Fue odiado por su mayor éxito y venerado por su fracaso comercial, creador y forjador de Hollywood, para luego ser víctima de las estructuras industriales.

 

La guerra del Trust y la fundación de Hollywood

Una vez instalado el monopolio de Edison (guerra de las patentes) con “Motion Pictures Patents Company”, los independientes; en su mayoría judíos inmigrantes, se agruparon para defenderse en organizaciones.

Los miembros del Trust, al no ser capaces de abastecer la creciente demanda de las salas exhibidoras, dieron lugar a los independientes que pasaron de exhibidores a productores.

El progreso de la técnica y la explotación del Star System, orientaron las preferencias del público hacia los productores independientes. Estos se trasladaron a Los Ángeles para buscar refugio y así nació una Industria.

Con Hollywood (1908) nace una mitología. El esquema triangular, temas de amor o aventura, con un ‘happy end’ han constituido el pilar del gran poderío comercial.

Los arquetipos de villano (de acuerdo a las exigencias políticas), mujer ingenua o luego vampiresa, y hombre cowboy para ser luego latin lover; son producto de la necesidad de hacer dinero. La estrella se convirtió en un producto comercial que se elabora y se lanza al mercado bajo una persona concreta que se mistifica y termina valiendo más que un director o guionista. El cine se hará para y por las estrellas, y las películas se lanzarán apoyadas en sus nombres, gracias a la adoración colectiva que confunde actor con arquetipo. Se crea un ritual mágico erótico donde se tiende a imitar su forma de vestir y hablar…

La Industria de Hollywoood se impone cuando el cine europeo se paraliza. Es una mercancía segura, gracias a la eficacia de su estilo narrativo, herencia del funcionalismo expresivo de Griffith.

Pero de esto ya hablamos en otra nota: La edad dorada de Hollywood. Si todavía no la leyeron, pueden ir a seguir instruyéndose en la hermosa historia del cine

 

A estos grandes maestros le debemos el cine, su invención e innovación. ¿Qué sería de nuestras tardes de lluvia, o de nuestras noches de relajación sin un buen film al alcance de la mano?

En unos pocos años nació y evolucionó de tal forma que, muchos pioneros, fueron quedando en el camino y, aún hoy, muchos directores no pueden adaptarse a los cambios y pasan de un gran éxito de taquilla al olvido.

La historia del cine se repite, es cíclica. Y, cuando creemos que todo está inventando y que nada nuevo puede nacer, resurgen de las cenizas como un Ave Fénix.

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